El delgado ariol

Portfolio

2011-07-27T01:59:00.000+02:00

Os invito a visitar el portfolio de mis últimos trabajos en esta dirección:
http://eldelgadoariol.carbonmade.com
My website is underconstruction, while you can see my new projects on this site:
http://eldelgadoariol.carbonmade.com

Re-inventation

2010-05-12T20:10:00.005+02:00

Estoy terminando de construir la que será mi página web y este blog pasará a formar parte de ella como seguimiento a todo el trabajo que vaya desarrollando. En breve os mostraré todos mis trabajos. Hasta pronto.

Bittersweet

2009-06-24T21:33:00.004+02:00

En el vídeo podreis ver imágenes que he realizado como proyectos estos dos años en la Escuela de Arte, es un resumen de todos mis sentimientos. He tomado retratos, paisajes, naturalezas muertas, fotografía de moda, etc. El texto que se escucha es un poema Rumi. La tradición Rumi no es una religión, no es un culto. Es una filosofía de vida, una forma práctica de un mayor grado de conocimiento y entender su relación con el Ser Supremo.
El poema es de Mawlana Balkhi para mí este poema describe mis experiencias en la escuela, durante el tiempo que estudié fotografía artística, porque ha sido una sensación agridulce, no ha sido fácil para mí, porque he trabajado y he estudiado. Mi vida en estos dos años se ha dividido, pero encontré mi vocación y he descubierto lo que quiero hacer en mi vida.
Música y voz: Madonna

In the video you are watching and seeing pictures that I taken in these two years, it is a summary of all my feelings. I have taken portraits, landscape, still-life, fashion photography, etc. I taken many types of pictures, with many frames, I have searched differents concepts for each project and my differents feelings are shwoning in my pictures.
I have chosen a rumi poem because the Rumi tradition isn’t a religion, it isn’t a cult. It is a philosophy of life, a practical way to a higher degree and understand their relationship with the Supreme Being.
The poem is by Mawlana Balkhi for me this poem describes my experiences at the school, while I studied Artistic Photography, because it has been a bittersweet, it hasn’t been easy for me, because I have worked and I have studied. My life in these two years has been divided but I found my vocation and I have discovered I want to do in my life. For me begin the future, begin a new life, begin a change on my life. For this reason this experience has been a bittersweet.
Music and voice: Madonna

De belleza singular / A singular beauty

2009-06-24T21:23:00.003+02:00

Se trata de una serie de cinco fotografías, todas primerísimos primeros planos del rostro femenino. La luz directa hacia la cara y los desenfoques, recuerdan a los retratos pictorialistas de Julia Margaret Cameron que nos remiten a los origenes de la fotografía cuando autores experimentales de la talla de Muybridge o Marey, junto con los daguerrotipistas, trabajaban las posibilidades no sólo técnicas sino también estéticas de las posibilidades artísticas del arte de la fotografía. Las velocidades de obturación lentas, el alto contraste lumínico y los desenfoques como transformaciones, plasman el paso de un sentimiento a otro, los planos cortos de la cara ayudan a entender las distintas emociones. Las posibilidades no sólo técnicas sino también estéticas son capaces de hacernos pasar de un sentimiento a otro.
Una estética sugerente, en la que la sensualidad prima por encima del resto de variables, erotismo, movimiento pausado, sutileza … enriqueciendo cada movimiento y cada gesto.

This is a serie of five pictures, all of them are foreground about feminine faces. Direct light toward the face and blur, remember pictorial portraits of Julia Margaret Cameron that we refered to the origins of photography when experimental authors as Muybridge and Marey, working not only the technical possibilities but also the possibilities of artistic photography. The slow shutter speeds, high-contrast lighting and blur as changes reflect the transition from one feeling to another, the ups of the face help to understand the different emotions. Possibilities not only technical but also aesthetic can make sense to switch from one another. Suggesting an aesthetic in which sensuality premium over the remaining variables, sex, slow movement, subtlety ... enriching every gesture and every movement.

Bodegones / Still life

2009-06-24T21:07:00.006+02:00

Este trabajo esta basado en bodegones, divididos en dos grupos: por un lado, el bodegón de autor, en el que se trata de “imitar” la técnica, estética y de autores como: Chema Madoz, Tony Catany, Rafael Montes y Ciuco Gutiérrez y por otro lado el bodegón publicitario, en donde lo esencial es mostrar el producto de una manera atractiva al consumidor, para que en primer lugar se muestre interesado en el producto y en segundo lugar esté interesado en comprarlo. Para este último grupo se trabajaron cuatro temáticas moda, alimentación, cosmética y tecnología.

This work is based on still life, divided into two groups: one is author's still life, it seeks to "imitate" the technique and aesthetics by authors as: Chema Madoz, Tony Catany, Ciuco Gutiérrez and Rafael Montes and the other side is still life advertising, where the essence is to show the product in a way attractive to the consumer. At first I show an interest in the product and secondly I try that he is interested in buying. For this group I worked four thematic: fashion, food, cosmetics and technology.

Cowboy de ciudad / Cowboy town

2009-06-24T20:50:00.006+02:00

La idea principal del proyecto es conseguir imagenes que sirvan de archivo, para poder presentarlas para una campaña de publicidad, de cualquier otro producto, puramente americano, puesto que la imagen del cowboy es algo muy representativo de la cultura norteamericana y la asociación de ideas es muy rápida. La imagen del cowboy ha cambiado gracias a “Brokeback Mountain”, que nos ofrece una imagen más alejada del cowboy de los 70.
Y esta ha sido la principal intención del trabajo, conseguir una imagen menos estereotipada del cowboy, adaptándola a los nuevos tiempos, pero sin que pierda sus señas de identidad.

The idea to do this project is to be capable to create an advertising campaign of any other product, purely American, as the image of the cowboy is very representative of American culture and the association of ideas is very fast. The cowboy's image has changed thanks to "Brokeback Mountain", which offers us an image farther from the cowboy of the 70's.
And it has been my intention in this work, to get a less stereotypical image of the cowboy and adapt it to times' changes, but without losing its identity.

PhotoEspaña 09

2009-06-09T21:47:00.003+02:00

Ganador del primer premio del concurso "Momentos de cine", convocado por Photoespaña y la revista Cinemanía, por su serie "Re-volver". El mes de marzo salieron publidas las fotos en esta revista. Gracias a todos los que me han ayudado a ganar este premio y a todos los que me habeis felicitado. Muchas gracias a todos.
Más información:
Blog Photoespaña

Winner of first prize in the "movie moments", by Photoespaña and Cinemania magazine, for his series "Re-volver." In March came publication of his photos in this magazine. Thanks to everyone who helped me win this award and all that you have welcomed me. Thank you very much everybody.
More information:
Blog Photoespaña

Tras el cristal / Through glass

2009-06-09T20:57:00.006+02:00

Exposición colectiva de los alumnos de Fotografía Artística de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Murcia desde el próximo 11 de Junio 09 con el título "Tras el cristal". Los trabajos expuestos son ejercicios de clase, bodegones que han realizado como homenaje al fotógrafo Tony Catany, bajo la dirección del profesor Jesús de Francisco.
Hasta el 24 de Julio, en el Salón de Actos de la EASD.

Group exhibition at the School of Art and Design in Murcia from next June 11/09 titled "After the glass." The works exhibited are exercises in class, still lifes made as a tribute to photographer Tony Catany under the direction of Professor Jesus de Francisco.
Until July 24, in the hall of the EASD.

Primera exposición

2009-01-25T23:47:00.007+01:00

El pasado 29 de Enero 2009, tuvimos el honor de inaugurar una exposición en el Archivo General de la Región (Avda. de los Pinos, Murcia). El contenido de la misma nació de una propuesta de clase en la que los respectivos profesores de Proyectos de Fotografía Artística, plantearon realizar una reinterpretación del edificio del Archivo, obra del arquitecto Juan Antonio Molina, a partir de la fragmentación, el fotomontaje y el diseño gráfico.

La exposición se pudo visitar hasta el 25 de febrero y tuvimos la inmensa suerte, gracias a la colaboración de Fernando Vázquez, director del Cehiform y programador de la sala, de compartir espacio con la retrospectiva sobre el histórico Paco Gómez que se está celebrando en la planta baja del Archivo, en el marco de Fotoencuentros. Además muchas de las obras expuestas han pasado a formar parte de la colección del patrimonio artístico de la Región de Murcia, entre ellas la mía, lo cual ha supuesto todo un honor.

The last 29 January 2009, we had an exhibition at General Archive of the Region in Murcia. Pictures talk about a reinterpretation of Archive´s building, designed by the architect Juan Antonio Molina, from the fragmentation, the photo and graphic design.
The exhibition was open until February 25 and we had an immense luck, thanks to the collaboration of Fernando Vazquez, Cehiform's director. Many of the exhibited works have become part of the collection of the artistic heritage of Murcia, including mine, which has meant a honor for me.

Retrato de un asesino / Murderer's portrait

2008-12-16T12:16:00.000+01:00

A modo de carteles de cine, se presenta esta pequeña serie de fotografías, un homenaje al séptimo arte, por el cual siento una gran devoción. Fotorrealismo en estado puro con un alto nivel de procesado, para conseguir un aspecto irreal mezcla de ficción y realidad.
Al igual que los carteles, lo que se pretende es captar la atmósfera que rodea a los personajes, así como los escenarios en los que transcurren los hechos, aportando elementos que acentuarán la intención narrativa, de destrucción y dramatismo. Provocando de esta forma un discurrir narrativo en cada una de las imágenes de forma independiente.

As a film poster, we present this little series of pictures, a tribute to cinema, which I feel a great devotion. Photorealistic in pure state with a high-level processes with an unreal aspect mixture of fiction and reality. Like posters capture the atmosphere surrounding the characters and scenarios and it'll accentuate the narrative intention.

Campos de Castilla / Castilla's landscape

2008-11-26T11:10:00.000+01:00

Imágenes con aspecto similar a la pintura paisajista de corte impresionista, en un intento de plasmar la luz, más allá de las formas que subyacen, pero sin que pierdan la total identidad y que puedan ser identificadas por el espectador.
Las fotografías las realice utilizando paisajes en los cuales se pudieran ver claras diferencias cromáticas, y en el que la luz fuera una luz limpia y directa, esto tan solo es posible en los campos de castilla, que tan bien reflejó Antonio Machado en sus poemas, por eso elegí como escenarios, los campos a caballo entre Albacete y Cuenca y que siempre me han llamado la atención por las diferentes texturas y colores que muestran y como estos van cambiando de manera que va cambiando la intensidad lumínica del dia.
Escoger muy bien los momentos de luz del día, en la que esta es la principal protagonista para dar forma a los colores y las formas. Como decía Ernst Hass: “los fotógrafos trabajamos con una tela pintada y es preciso que dotemos al conjunto de un marco apropiado para ordenar lo que ya existe”.
El uso a modo de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquieren la unidad necesaria para percibir un todo definido. Esta ha sido mi pretensión al jugar con el movimiento y de esta forma crear la confusión del espectador, de no saber si está viendo una fotografía o un cuadro.

Images look similar to impressionist landscape painting, in an attempt to capture the light, beyond the underlying forms, but without losing the identity and all that can be identified by the viewer. Photographs made by means of the landscapes in which we could see distinct colors, and when the light was a light clean and direct, this is only possible in the lands of Castilla (Spain), which so well reflected in his poems Antonio Machado. I chose lands between Albacete and Cuenca and that I have drawn attention to the different textures and colors that show how these are changing and so the light intensity is changing in the day.
Choose well the moments of daylight, which is the main protagonist to shape the colors and shapes. As Ernst Haas said: "The photographers work with a painted canvas and we need to endow the set of an appropriate framework to manage what already exists."
This has been my intention to play with the movement and you don't know if you are viewing a photograph or a painting.

Verdes Amapolas / Green poppies

2008-06-16T02:13:00.006+02:00

En este proyecto lo que intento es girar el plano habitual en el que realizamos las fotografías, pero sin girar la cámara. Siendo el espacion y los personajes los que giran. Hacer que sitios que habitualmente no retratamos, como un suelo, se convierta en el verdadero protagonista de la imagen. Llegando a desconcertar al espectador, que al principio no sabe exactamente muy bien lo que está viendo, pero llama su atención.

In this project I try to turn normal plane in pictures that I do, but without turning the camera. Being the espace and characters that rotate its. Sites that don't usually portrayed as a soil, it becomes in the protagonist of the picture. Arriving to unsettle viewer, who at first doesn't really know very well what you're watching, but it catchs your attention.

Cuestión de fe / Matter of faith

2008-06-16T02:12:00.003+02:00

Se trata de una serie de retratos de personajes, basados en un aparente aspecto religioso, un tanto ambiguo, que generan en el espectador preguntas como: ¿son personas pertenecientes a la Iglesia? o ¿nos están narrando algún hecho de su vida actual o pasada?. El propósito es buscar la interioridad auténtica del personaje, a través de pequeños detalles, que revelen un determinado carácter. Mostrar el yo interno de cada uno, con unos pequeños detalles de la fachada y sembrar dudas, desconcertar y conseguir la atención del espectador.

This is a series of portraits based on an apparent religious aspect, somewhat ambiguous, they generate in the viewer questions like: are persons to the Church? or are we talking about a fact of life past or present?. The purpose is to find the true of the character through small details that reveal a certain character. Show me one of each, with a few details in this pictures and to sow doubt and viewer's attention.

Kite Punks

2008-05-18T02:03:00.000+02:00

Reportaje centrado en la práctica del Kite Surf. La forma de vida de los kiters y su similitud con la vida nómada, en busca del instrumento fundamental de este deporte, el viento.
En Murcia y gran parte del mediterráneo gozamos de vientos extraordinarios, así como muchas playas en las que está permitido practicar este deporte tan singular.
Para la práctica del mismo deben alcanzarse rachas de entre 12 y 20 nudos, más que suficientes para levantar una cometa de 16 metros. El Red Bull Kite Punks es una competición a nivel internacional y de las más importantes de este deporte que se celebran en Europa.

Photographies about Kite Surf. The lifestyle of the riders and their similarity to nomadic life in search of the key tool of the sport, the wind. In Murcia and the Mediterranean we enjoy of extraordinary winds, as well as many beaches where it is allowed to practice this sport. The Red Bull Kite Punks is a competition worldwide and the most important in this sport in Europe.

London

2008-05-14T12:37:00.017+02:00

Londres, ciudad cosmopolita y fotogénica donde las haya. Fotografias realizadas con Canon EOS 5D, objetivo 24-70mm. Fotografías nocturnas con ISO 1000, sin trípode.

London, cosmopolitan city. Photos taken with Canon EOS 5D, focus 24-70mm. Night pictures with ISO 1000, without tripod.

Poti Poti / Fashion photography

2008-04-26T17:27:00.012+02:00

"Pasarela Abierta de Murcia '08" desfile de los diseñadores "Poti Poti"
Fashion photography in Pasarela Abierta de Murcia '08, designers "Poti Poti"

Miguel Bolaño / Fashion photography

2008-04-26T17:18:00.007+02:00

"Pasarela Abierta de Murcia '08" desfile de "Miguel Bolaño"
Fashion photography in Pasarela Abierta de Murcia '08, designer "Miguel Bolaño"

Gori de Palma / Fashion Photography

2008-04-26T17:09:00.013+02:00

"Pasarela Abierta de Murcia '08" desfile de "Gori de Palma"
Fashion photography in Pasarela Abierta de Murcia '08, designer "Gori de Palma"

Maniattic

2008-04-26T12:08:00.008+02:00

La manía por el orden, y como este se puede alterar, por la intervención, modificación, destrucción o el paso del tiempo. En mi espacio diáfano, limpio y puro, se ven dos de mis obsesiones: el orden y los olores y como la alteración del mismo, supone una alteración del espacio y de mí mismo. En este espacio me veo reflejado, una mesa de trabajo, que me ocupa todos los días, un ordenador, con el que trabajo a diario, el periódico y el interés por la información, los libros, como fuente de conocimiento, los folios, el lapicero, carretes de fotos, una taza, todo perfectamente colocado.
Factores ajenos a mí, como la intervención de otras personas, alteran ese espacio o el paso del tiempo lo desequilibra y a la vez me desequilibra a mí mismo. La basura acumulada, la obsesión por los olores, lleva a un caos, estético e interno.
Ante este orden yo mismo doy la cara, con el autorretrato colocado encima de la mesa, acentuado por la colocación de post-it, totalmente limpios y ordenados, así como por las botellas de plástico, que trasmiten pureza y trasparencia.
Este paisaje se va alterando por la intervención en el mismo de personas y de mi mismo, aunque mi pretensión es que la intervención fuera realizada por otras personas, para que el desorden fuera más evidente, puesto que yo establecer mi propio desorden hubiera condicionado la posición de los objetos o los mensajes de los post-it. Ante el caos y el desorden, doy la espalda y no quiero ni mirar porque me pone nervioso, por eso giro el autorretrato.

My obsession for order and how this can be altered by intervention, alteration, destruction or time's passage. In my open space, clean and pure, are two of my obsessions: order and smells and alteration of its, implies a change of space and myself. In this space I reflected me, with a desk, I took every day, a computer, I work with on, a newspaper, books, sheets, pen, rolls of photos, a cup, all perfectly placed.
This landscape is altered by the intervention of differents people and myself, although my claim is that the intervention was carried out by other people, so that the disorder was more obvious, because I set my own disorder had influenced the position of objects or messages in the post-it. With this experience I talk about chaos and disorder and I don't want to look because I get nervous, for this reason I don't look and my self portrait on the table is rotate.

Vestigios del futuro / The future

2008-04-26T10:56:00.011+02:00

El objetivo central de la obra, es captar transformaciones del paisaje en Murcia, motivados por la acción del urbanismo, en lugares habitualmente muy familiares para el espectador.
Lugares representativos en donde poder captar los cambios urbanísticos que la ciudad había sufrido y está sufriendo, pero dejando ver claramente, que importa muy poco, que estemos cerca de monumentos tan emblemáticos como el “Monasterio de los Jerónimos” o “El cristo de Monteagudo”, para ver como la acción de la construcción está expandiéndose por toda la ciudad, como una telaraña, que va enredándonos y de la que no podemos salir, puesto que ya lo vemos como algo habitual e inevitable.
Donde antes encontrabamos limoneros, casas típicas de huerta y minifundios que eran las señas de identidad de la ciudad, hoy encontramos gigantescos carteles, miles de grúas que están construyendo una macrourbanización o un edificio recién acabado en medio de ninguna parte.
Todo este impacto urbanístico que hemos sufrido en tan solo una década, son los vestigios del futuro que se nos avecina. Nos hemos cargado un paisaje, que nos representaba, que ya tan solo quedará en el recuerdo de los libros de fotografías antiguas de la ciudad que nos devuelven al pasado.
El crepúsculo acentuaba la intención narrativa, ya que el aspecto lúgubre y de destrucción, da un aspecto de caos.

The central objective of the work is to capture changes in landscape Murcia, motivated by the action of urbanism, usually in places familiar to the viewer.
Representative locations where the zone is changing. The city had suffered and is suffering changes and I try to capture its, but showing clearly, I took photos near emblematics monumentss such as Jeronimos' Monastery "or"Monteagudo's Christ" to see how the action of the construction is expanding, like a spider web.
This town has had in just a decade, a great impact and it is future's remnants that we are ahead. We loaded a landscape that we represented us, which is only in book's memories and in old photographs of the city that we return its to the past.

Un día cualquiera / A singular day

2008-04-26T10:43:00.016+02:00

Moviéndome por los barrios más típicos de Murcia: centro, Plano de San Francisco, Glorieta de España, Plaza de Romea, Plaza de Santo Domingo, pero sin una pretensión en particular, ni buscando una composición en concreto, me dedico a salir como otro cualquiera, pero mis pretensiones eran distintas, iba a disparar con mi cámara analógica, todo aquello que me resultara curioso o interesante, no tenía prisa, solo esperaba que apareciera el instante decisivo y disparar.
El paisaje urbano, me resulta enriquecedor, me interesa todo lo que pasa en una ciudad y que pasa desapercibido a diario. Las acciones y reacciones de la gente, dicen mucho del carácter de la ciudad y prestando atención especial a lo que ocurría a mi alrededor, podía descubrir cosas distintas en los lugares o plazas que habitualmente recorro.
Yo no me encontraba ajeno a todo lo que pasaba a mi alrededor, la sensación que tenía es como sino me observarán, como si fuera el espectador de una película o de una representación que estuviera pasando ante mí, yo centraba mi atención en ellos, pero ellos seguían su ritmo habitual. Esa evasión fue la que me permitió meterme más en lo que andaba buscando, estaba más abierto y más receptivo a todo lo que pasara.

One day I decided to go around Murcia center, as for example: Plano de San Francisco, Glorieta de España, Plaza de Romea, Plaza de Santo Domingo, but my intention were different, I was going to shoot with my analog camera, all that funny or interesting, I wouldn't rush was only expected to receive the crucial moment and shoot.
I was interested in everything that happens in the city that go unnoticed every day. The actions and reactions of people say a lot of the character of the city and paying particular attention to what was happening around me, I could find things in different places or places that usually go.
I had observed, as if a film' viewer or a representation that was happening to me, I focused my attention on them, but they continued their usual pace. This evasion was allowed for me and I got more and I was more open and receptive to everything that happened. It was a wonderful day.

4m2

2008-04-26T10:25:00.012+02:00

4m2 (cuatro metros cuadrados)” se desarrollaba en un pequeño habitáculo de tránsito habitual como es un ascensor, se propone un espacio susceptible de albergar cualquier fragmento de la realidad y de la vida cotidiana.
Una serie de desconocidos, se aventuran a compartir juntos una cena, conocer a personas, encontrarse con conocidos, mientras nos acompaña un personaje totalmente desconocido pero que nos ofrece todo lo que tiene a su alrededor.
De esta manera se experimentan diversas situaciones y conversaciones encontradas.

4m2 (four meters square) was developed in a small passenger traffic as usual is a lift, a space capable of accommodating any fragment of reality and everyday life. Unknown persons meal together, meet people, meet with known us as a character totally unknown but that gives us everything he has around him. In this way they experiment various situations and conversations.

II Aniversario Centro Párraga (Obras)

2008-04-26T10:13:00.017+02:00

Imágenes las diversas intervenciones artísticas que han hecho que los espacios vacíos y no convencionales del edificio cobren vida. Varios artistas han participado en singular evento para celebrar el aniversario de un centro dedicado al arte.

Pictures about various artistic images that have made unconventional spaces and building come alive. Several artists have participated in unique event to celebrate the second anniversary of a center dedicated to the art.

Alter Arte '07

2008-04-26T10:04:00.018+02:00

El arte, entendido como tal, ha salido a nuestro encuentro, intentando captar, las distintas obras que ha sido protagonistas en este festival.De las obras se intenta captar la ínteractuación de las personas, así como dejar bastante claro el entorno donde están ubicadas. Las tomas se basan en el espacio donde están enmarcadas y lo curioso de la posición dentro del espacio. Captando la mezcla de las estructuras y de las formas arquitectónicas que ya existían, con las intervenciones creadas por los artistas, rompiendo de esta forma la estructura habitual.

Art has come to our meeting, trying to capture the various works that have been players in this festival. I attempt to capture the interaction of people and let fairly clear the environment where they are located. The shots are based on the space where they are framed and the curious thing about the position within the space. Capturing architectural forms that already existed, with the measures set by the artists, breaking the structure of this routine.

Critico Devenir / Critical Deven

2008-04-25T17:05:00.026+02:00

DEVENIR es la idea central de la obra. Haciendo alusión al proceso por el cual podemos llegar a ser, cada uno de nosotros y en concreto, centrado en mí como personaje. He tratado de condensar los sentimientos a lo largo del día y de la semana, para ver que elementos en común existen y de esta forma plasmarlo en las fotografías.
Las notas recogidas a diario, contrastadas entre sí al finalizar cada semana, han dado como denominador común una serie de sentimientos que he podido observar, como se repiten cada día y a lo largo de la semana. Consiguiendo un conocimiento de las emociones que actualmente vivo. Por este motivo elegí como título: CRITICO DEVENIR. El proceso que acabo de comenzar, mediante el cual llegaré a encontrarme, pero que por mi situación personal, es crítico, ya que no lo tengo fácil, pero lo que sí he llegado a saber, es que lo quiero hacer.

Deven is the thrust of the work. Referring to the process by which we become, each of us and in particular, focused on me as a character. I have tried to condense the feelings through out the day and week, to see that there are elements in common.
The notes set out on a daily basis, compared with one another at the end of each week, have a common denominator as a series of feelings that I have observed, as they are repeated every day and throughout the week. Getting an understanding of the emotions that currently live.
For this reason I chose as title: Critical Deven. The process has just begun, through which it is found, but for my personal situation is critical because you don't have easy, but I kwon what I want to do.

Duane Michals

2008-04-25T13:40:00.001+02:00

Duane Michals,es un fotografo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo, un autodidacta, es uno de los máximos exponentes de la fotografía conceptual y filosófica.
De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro. Sus comienzos revelan la gran influencia de Atget en la fotografía norteamericana con escenarios recurrentes como los restaurantes, salas de espera o recepciones de hotel, pero en 1966 comienza a hacerse con un estilo propio y único a través de la técnica de la secuenciación: una sucesión de fotografías como forma de contar historias con, incluso, un desarrollo temporal. Una técnica que perfiló aún más en sus trabajos a mediados de la década de los 70 al incluir pequeños manuscritos en las copias para reforzar su significado.
Propone una estética que coquetea con el surrealismo de Magritte, con un universo que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción.
En 1958, un viaje de tres semanas por la Unión Soviética y una cámara prestada como acompañante cambiaron a Duane Michals para siempre. Fue ésta, tras la de Whitman, la segunda y definitiva revelación que desembocaría en el futuro de la emoción fotográfica que hasta hoy ha desarrollado este fotógrafo que es hoy considerado como uno de los más importantes artistas de este arte de todo el siglo XX. Las primeras series que realizó, fueron influenciadas por el trabajo de Atget, con vistas de restaurantes, salas de espera y vestibulos, a las que dio el nombre de "Empty New York". Para poder fotografiar y explorar a través de la fotografía las facetas de sus muy personales emociones, Michals tenía que ganarse la vida haciendo fotografía comercial. Duane ha fotografiado todo, o casi todo. Desde portadas para la revista Life; desplegables de moda para Vogue; reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso se aventuró en la fotografía y diseño la portada del album Synchronicity de The Police.
Fabrica la realidad antes de mostrarla subjetivamente. Cuando Michals toma la cámara para dejar la publicidad de lado, se apodera de él el impulso de la intriga, y la inspiración para hacer de la fotografía la visión de sus sueños, temores y deseos. Empleando la técnica de la doble y triple exposición, y escribiendo textos o pintando directamente sobre el papel fotográfico. Michals consigue un estilo entre lo surreal y lo cinemático.
Fuente:
http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/duanemichals.htm
http://www.tpaulfineart.com/photography/duane_michals.htm
http://www.mat.upm.es/~jcm/infima/michals.html
http://www.juliadean.com/2007summer/duanemichals.html
http://maurol.com.ar/images/madam_schrodinger.jpg

Dave Hill

2008-04-23T16:52:00.001+02:00

Dave Hill es un fotógrafo nacido en 1979 en la ciudad de Orange, California y que actualmente reside en Los Angeles. Sus fotografías están cargadas de un gran realismo gracias al tratamiento de sus imágenes así como al manejo del color y la perspectiva. En su web encontraremos unos excelentes portfolios y además una sección llamada “Behind the scenes” donde encontraremos fotos y vídeos sobre los escenarios y las situaciones que envuelven sus fotografías.

Fuente: http://enkil.wordpress.com/2007/10/14/dave-hill-fotorealismo/

David Hockney

2008-04-23T14:51:00.002+02:00

Hockney nació en Bradford. Estudió en la Bradford Grammar School, en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art en Londres donde conoció a Roland B. Kitaj. Mientras todavía estaba en el Royal College of Art Hockney fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art. Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon..
A veces, como en We Two Boys Together Clinging (1961), titulado tras el poema de Walt Whitman, estos trabajos hacen referencia a su homosexualidad. Desde el año 1963 Hockney estuvo representado por el influyente tratante de arte John Kasmin. En 1963 Hockney visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de de pinturas al óleo de piscinas en Los Ángeles. Estos trabajos están ejecutados con un estilo más realista y usan colores vibrantes. El también hizo grabados , retratos de amigos, y diseños de escenarios.
En 1961 visita New York por primera vez, estableciendo relación con Andy Warhol. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Egipto y a Los Angeles, donde conoce a Henry Geldzarhler y a Dennis Hopper. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases en la Universidad de Lowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Angeles, donde pinta su primer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids. En 1967 viaja a Italia y a Francia y en 1968 a Alemania e Irlanda. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam.
Entre 1973 y 1975 vive en París. Una exposición de sus obras se lleva a cabo en esta ciudad en 1974 en el Musée des Atrs Décoratifs. En 1975 diseñó los decorados para la ópera de Igor Stravinsky "The Rake´s Progress". En 1976 regresa a Los Angeles y trabaja intensamente con fotografías. En 1978 diseña los decorados para la öpera "La flauta mágica" de Mozart, obra representada en el Glynderbourner Festival, y en 1980 desarrolla un programa para la Metropolitan Opera con obras de Satie, Poulenc, Ravel, y stravinsky. En 1981 viaja a China, viaje del que escribe un diario (China Diary), publicado posteriormente por la editorial Americana Thames and Hudson. Ha realizado cubiertas para las revista Vogue en 1984 y 1985.
En 2001 publicó un estudio "El Conocimiento Secreto", obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiascopos ) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística.
Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/David_Hockney

Annie Leibovitz

2008-04-23T14:29:00.001+02:00

Leibovitz es una de seis hermanos. Su padre, Samuel Leibovitz, era Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos. Debido a esto, la familia entera debía mudarse constantemente cuando Annie era sólo una niña. Su madre, Marilyn Heit Leibovitz, era una instructora de danza contemporánea.
En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música. Acudió al Instituto de Arte de San Francisco. Su interés por la fotografía surgió cuando tomó fotos en un viaje que realizó a Filipinas para visitar a su familia. Durante varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas y, al mismo tiempo, trabajaba en diferentes lugares, inlcuyendo una temporada en la comuna israelí de Kibutz en 1969.
Cuando Annie regresó a Estados Unidos en el año 1970, postuló para trabajar en la entonces emergente revista Rolling Stone. El editor Jann Wenner quedó impresionado con su portafolio y le permitió ser parte del personal de la revista. Dos años más tarde, Leibovitz fue promovida al puesto de fotógrafo jefe, el cual ocupó por 10 años. Durante este tiempo, Annie desarrolló la técnica que más tarde se convertiría en su marca registrada. Sus íntimos retratos de celebridades en poses inusuales ayudaron a definir la apariencia de la revista.
En 1975, Annie fue la encargada de documentar la gira de conciertos Rolling Stones Tour of the Americas '75 que el grupo británico The Rolling Stones realizó en Estados Unidos aquel año.
El 8 de diciembre de 1980, Leibovitz fue quien fotografió al cantante británico John Lennon por última vez, antes de que este fuera asesinado por uno de sus admiradores ese mismo día. Annie le había prometido a Lennon que una de sus fotografías adornaría la portada de la revista Rolling Stone. Aunque nadie de la revista quería que Yōko Ono apareciera en la publicación, fue John quien le insistió a Leibovitz que él debía posar para las fotos junto a su esposa. Leibovitz intentó recrear una de sus imágenes favoritas: la que aparece en la portada del álbum Double Fantasy del propio John Lennon. Finalmente, la fotografía publicada por Rolling Stone el 22 de enero de 1981 fue aquella en que aparece John desnudo abrazando a Yōko Ono, quien está completamente vestida, sobre el suelo.
Desde 1983, Leibowitz ha trabajado como retratista exclusiva de la revista Vanity Fair.
Desde el año 1995, Leibovitz tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood Issue, una edición especial que la revista Vanity Fair publica en marzo de cada año. La portada de este número suele medir el triple que la portada común, es plegable y en ella aparecen los actores más destacados de Hollywood.
En mayo de 2006, Vanity Fair editó por primera vez un número especial dedicado al cuidado del medio ambiente: The Green Issue. La fotografía que adornó la portada de este número estuvo a cargo de Leibovitz, quien retrató a los actores Julia Roberts y George Clooney junto a los activistas ecológicos Robert F. Kennedy Jr. y Al Gore.[] En la edición del año siguiente, fue el actor Leonardo DiCaprio quien posó para Leibovitz en un glaciar de Islandia. Annie realizó un fotomontaje para lograr que el célebre oso polar Knut apareciera junto a DiCaprio, sentado sobre el glaciar.
A fines de 2007, Leibovitz tuvo acceso exclusivo a los estudios de filmación de la película Indiana Jones 4, donde pudo retratar a sus protagonistas, Harrison Ford, Shia LaBeouf, Karen Allen y Cate Blanchett, además de sus directores George Lucas y Steven Spielberg. Estas se convirtieron en las primeras imágenes de la película antes de su estreno en mayo de 2008 y fueron publicadas por Vanity Fair en su edición de febrero de 2008.
Fuentes:
http://www.firstshowing.net/2008/02/08/vanity-fairs-hitchcock-classics-photo-spreads/
http://es.wikipedia.org/wiki/Annie_Leibovitz

Thomas Demand

2008-04-23T14:19:00.001+02:00

De lejos, el mundo de Demand es un mundo concreto, uno de sustantivos más que de resbalosos adjetivos. Una mesa, una estantería, una cama. Todo parece sólido y estable hasta que, al acercarnos, nos damos cuenta de que esa mesa, esa estantería, esa cama están hechas de papel. Entonces aparece la duda.
Desde comienzos de los ‘90, Thomas Demand ha seguido el mismo procedimiento: primero elige una imagen fotográfica publicada en un diario o revista, luego construye un modelo de esa imagen a escala real en papel y cartón, lo ilumina, con esa luz helada de ascensor que absorbe humanidad, y lo fotografía. Acto seguido, destruye la maqueta. De la foto original queda apenas una reverberación. Si antes había una mesa de oficina llena de cosas, ahora tenemos esa misma mesa pero pelada, y no es que los objetos hayan desaparecido, sino que siguen ahí pero desnudos: lo que era detalle superfluo ha sido eliminado, queda algo como un bosquejo del original pero sin las particularidades. Sólo vemos el contenido neto de la imagen: los papeles son rectángulos blancos en blanco; el paquete de cigarrillos, una cajita sin marca; la máquina de escribir tiene la forma habitual pero las teclas son todas negras; la cinta adhesiva es un rollito sin logo. Todo en unos colores que recuerda a laboratorios de tecnología vieja, un beige verdoso, entre un té con leche y un cuadro cubista.
Las imágenes podrían ser el resultado de una mente que no logra recordar detalles sino el trazo grueso de las cosas que alguna vez vio. Al respecto, Jeffrey Eugenides (que a su vez escribió un cuento inspirado en las fotografías de Demand para el catálogo de la muestra de este año en el Moma) escribió: “Una memoria de un tiempo o un lugar no es ese tiempo o ese lugar, y, aun cuando la mente luche por percibir el presente existe el filtro inevitable de la conciencia: nuestra mente construyendo un retrato de la realidad”. Es posible que, en parte, las imágenes de Demand sean obras sobre la memoria y la percepción. Sobre qué recordamos de las cosas y por qué. Nada mejor que el papel, acá en su doble función de escultura y fotografía, para representar la fragilidad de las cosas (además, parece haber en Demand un escepticismo hacia la gran escultura a lo Richard Serra, quizá por eso sus construcciones mantienen esa impresión de haber sido hechas a los tumbos, en el sentido de que dejan ver las juntas del papel, el lápiz marcando intersecciones, las esquinas donde el cartón se levanta y rastros de la goma con la que todo ha sido pegado). Es inevitable: hechos en papel, los objetos se asocian a nuestros recuerdos de la infancia, a los avioncitos, a los barcos, a las pirámides con cartas. Pero montados entre placas de plexiglás parecen lo definitivo y en eso radica su fascinante perversión.
Fuente: http://www.ritnit.com/2007/09/15/thomas-demand-munich-alemania-1964/

Ernst Haas

2008-04-23T14:13:00.001+02:00

Nace en Viena en 1921. Empezó a frecuentar la facultad de Medicina pero sus inclinaciones artísticas le empujaron hacia la fotográfia. Hente y Life en el año 1949 publicaron su famoso reportaje sobre el regreso de los prisioneros de guerra. Desde el principio de los años cincuenta, Ernst Haas, afincado en los Estados unidos, se dedica sobre todo a realizar ensayos fotográficos en color para libros y revistas ilustradas En el año 1957 realiza el reportaje "Beauty in a Brutal Art" (Belleza en un arte brutal), sobre las corridas de toros. Su supremo talento reside en transmitir la esencia de una escena a través de una modulación. Impresionista de la luz y el color, Haas ha definido su fotografía como "una transformación, no una reproducción". Mientras otros fotógrafos se esfuerzan por reproducir los detalles y tonos de un tema del modo más realista, Haas crea imágenes más interpretativas, captando la atmosfera y el ambiente de la escena. Su primer trabajo en color lo hizo en Kodachrome I, película de 35 mm extraordinariamente lenta (12 ASA). Las características de color de la película, unidas a la lentitud de la velocidad requerida, influyeron enormemente en su estilo, y le enseñaron a controlar y aprovechar los efectos borrosos de color y linea que producen los sujetos en movimiento. Haas consigue sus efectos impresionistas y difuminados de varios modos. A veces, obtiene el efecto de remolino con una larga exposición sobre un sujeto en movimiento y sujetando firmemente la cámara. En otras, mueve deliberadamente la cámara, mezclando los colores del sujeto con los del fondo. Sus imágenes están difuminadas con tal destreza que el sujeto es reconocible y los colores se extienden sin confundirse. Trabaja con una cámara de visor directo que, a diferencia de las réflex, permite seguir la acción durante la toma. A principios de los años sesenta Haas tomó otra decisión fundamental: rompió su contrato con Magnum. El porcentaje de sus ingresos que correspondía a la agencia era tal que hubiera tenido que vivir permanentemente cargado de deudas. Sin embargo, sus relaciones con Magnum siguieron siendo cordiales y se dejó convencer por la empresa para que prolongase su colaboración. Pero algo no salió bien y Haas dejó la agencia. En 1962 escribió y dirigió cuatro programas de media hora cada uno sobre El arte de ver para la televisión norteamericana y, en los años sesenta, comenzó a dar conferencias y seminarios. Pero, por muy agradables que le sean estas actividades, trata de limitar rigurosamente el tiempo que les dedica para no sacrificar su horario normal de trabajo. En la introducción del volumen In América, Haas escribió: "El ángulo de visión de la cámara es la disciplina del fotógrafo. Puede incluir o desechar, dividir o juntar imágenes que enriquecen o empobrecen determinado tema"
Fuente:

http://www.fotorevista.com.ar/Maestros/index.php?select=Haas.php
http://www.taringa.net/posts/imagenes/988781/Fotos-en-Movimiento---Ernst-Hass.html

Xurxo Lobato

2008-04-23T14:02:00.001+02:00

29 de abril de 1956. A Coruña. Licenciado en Geografia e Historia - especialidad Hª Contemporánea. Universidad de Santiago de Compostela en el año 1979. Academico de la Real Academia Gallega de Bellas Artes "Nuestra señora del Rosario".Director del Festival de Fotografia Olladas"06. Director del seminario "Fotoxornalismo" de seis meses de duración , en el "Centro de Enseñanzas de la Imagen" (CEI) de Santiago de Compostela. Profesor de "Fotoperiodismo" en la Escuela de Medios de Comunicación de La Voz de Galicia / Universidad de A Coruña. Entre 1977/93 Fotógrafo colaborador en los siguientes periódicos y revistas: "Man Común", "A Nosa Terra", corresponsal grafico de "EL País" en los años ochenta , "El Periodico", "Cambio 16", "Vogue", "Elle", "Telva", "Geo", "Feinsmeicker", "Dier Spiegel", "El Mundo", "Interviu", "La Vanguardia", "National Geographic", "Viajar","SpainGourmetour","Capital", "Historia National Geographic"... En 1980 comienza a trabajar en La Voz de Galicia. Es desde el 1986 el Jefe de fotografía del diario "La Voz de Galicia" y Coordinador de la agencia Voz Noticias. Llegando a redactor jefe de Fotografia y Archivo Gráfico de "La Voz de Galicia".ha realizado un gran numero de exposiciones individuales y exposiciones colectivas, así como diversas publicaciones, todas se pueden ver en su web http://www.xurxolobato.es/

Eliot Erwitt

2008-04-23T13:46:00.001+02:00

De los miles de fotógrafos que desde la invención de la fotografía se dedicaron a la reportería gráfica, es decir, a mirar y registrar el comportamiento humano frente a la realidad, hay tres que han dejado su huella para la historia; Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau y Elliott Erwitt. No sólo de guerra, violencia, hambre e injusticia vive el hombre. Frente a los patrones de una reportería depredadora, que vive de la explotación de la miseria humana, estos tres fotógrafos han impuesto una mirada más cálida, casi optimista diría yo, sobre la rutina de los seres que habitan nuestro planeta.
Por lo general el nombre de Elliott Erwitt se asocia con la reportería y la fotografía editorial, pero tiene un amplio recorrido como cineasta y fotógrafo publicitario. La fotografía publicitaria de Erwitt es famosa precisamente porque está despojada del maquillaje característico de la fotografía comercial; se asimila más a la imagen editorial, más real y espontánea.
En contraste con la mirada intelectual de Cartier-Bresson, y el tono social de Doisneau, la de Elliott Erwitt parece ingenua; Erwitt no acecha, descubre. La fotografía de Elliott Erwitt sorprende por la gracia y el sentido del humor que nos dejan descubrir el rostro humano positivo del mundo. Este hombre ha recorrido la geografía humana con una mirada amable y creativa que tiene la inteligencia y la sensibilidad de ver en lo cotidiano aquello que el resto de los terrícolas no vemos. Parecería que el mundo está allí esperando a que Erwitt lo mire para desplegar toda suerte de malabares y de momentos insólitos. ¿Qué poder tiene este hombre para lograr imágenes que parecen inventadas y desafían todas las leyes de la espontaneidad? Se necesita mucha sensibilidad y humildad para observar, por ejemplo, el comportamiento de los niños y de los perros. Mientras los demás fotógrafos centramos nuestra atención en el encuadre obvio que tenemos al frente, él mira alrededor, donde la vida sucede.

http://www.fotomuseo.org/eliott/index.htm

Carlos Canal-Rosa S. Ramiro

2008-04-23T13:44:00.001+02:00

Carlos Canal se dedica a la fotografía y a la medicina desde hace 30 años, sendas que hace siete años empezaron a cruzarse. Ha trabajado con enfermos de leucemia durante media vida y ahora trabaja con los usos de la fotografía como terapia.
Se planteó hacer un trabajo para ver si la fotografía como herramienta, como metalenguaje, podía servir de algo en la práctica médica habitual. Lo realizó con diez pacientes. Aparte del tratamiento estándar de la leucemia, decidí tratarlos usando imágenes fotográficas como ventanas del inconsciente que te permiten sacar cosas que tienes ahí guardadas.
Fotógrafo de formación autodidacta, Carlos Canal, médico especialista en hematología que desarrolla su actividad en el hospital malagueño Carlos Haya, lleva trabajando muchos años con enfermos de leucemia. Pero no se ha conformado con aplicarles un tratamiento, sino que se ha implicado en la evolución de su proceso curativo hasta extremos que exceden las competencias de su profesión.
Su actuación fotográfica ha pasado a formar parte de la terapia de choque con la que muchos de estos pacientes han afrontado su enfermedad, pues ha puesto en sus manos una cámara fotográfica, una herramienta aparentemente inocente, con la que pueden enfrentarse a ese enemigo feroz y desconocido que es el cáncer. A través de las fotografías que los propios enfermos realizan en su entorno hospitalario, Canal les invita a entender su propio mal y a sí mismos, por lo que, en lugar de visualizar la enfermedad como una amenaza, trazan el camino hacia la recuperación de la luz mediante la compresión de su dolencia.
Un trabajo excepcional Recuperar la luz, un documento a modo de diario en una situación límite: el cáncer. A través del uso de fotografías y textos, Carlos Canal y Rosa S. Ramiro, médicos ambos y en este caso médico y paciente, realizan una experiencia de fototerapia en la que consiguen crear un mosaico extraordinario sobre las emociones y la vida en la enfermedad.
En medio de este proyecto fototerapéutico surge Rosa S. Ramiro, una médico enferma de cáncer que entró en contacto con Canal desde la camilla de un hospital y que, dando sentido a sus imágenes y a los textos que reflejaban sus estados de ánimo y sus ganas de luchar, se lo proporcionó también al proyecto completo y acabó de cerrar el círculo médico-paciente. Con su aportación, Canal encontró también la luz que andaba buscando como mediador fotográfico. Ramiro ha sido una paciente ejemplar porque con el trabajo terapéutico propuesto por Canal ha sido también agente y protagonista de su propio proceso curativo. A pesar del miedo, las imágenes de Ramiro, así como los retratos que Canal le hizo, nos transmiten la serenidad de quien lo tiene todo por ganar, de quien ha estado perdido en la oscuridad de un abismo y empieza a encontrar un resquicio de luz hacia el que dirigirse.
Recuperar la luz desvela, en suma, los usos de la fotografía como herramienta de conocimiento y como terapia; la interacción como metodología para que las imágenes se conviertan en una experiencia corporal completa.
Fuentes:
http://www.duendemad.com/primerplano/Carlos_Canal_5.html
http://fotoencuentros.es/04/index.html
http://www.imabis.org/media/recuperar_luz.pdf

Chema Madoz

2008-04-15T15:09:00.011+02:00

José María Rodríguez Madoz nace en Madrid en 1958. Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia de Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibe el Premio Kodak. En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 - 1995)". Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos - Chema Madoz". En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida. En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).
No utiliza una técnica fija, tan solo que le permita acceder a los resultados que desea y después de alguna forma la olvida. Empezó a trabajar con una réflex 35mm, una Olympus que tuvo durante 4 años, hasta que se compró una Nikon F3. Después compró una Bronica para iniciarse en el formato medio. Ya había tenido antes una cámara Mamiya de 6 x 6 cm.Prácticamente todas sus fotografías están tomadas con luz natural. Crea todas sus fotografías y sabe sacarle más partido a la luz natural. Tan sólo introduce luz artificial en los casos que ha fotografiado una lámpara como parte del objeto o para darle un toque especial a algún detalle.
Fuentes:
http://www.hispanart.com/hispanartfoto/monograficos/cmadoz/tecnica.htm
http://www.chemamadoz.com/

Elina Brotherus

2008-04-15T15:06:00.004+02:00

Elina Brotherus, nacida en 1972, Helsinki, residente en París y Helsinki. Elementos fundamentales de sus obras: ella misma y los paisajes abiertos. Intimista. Melancólica. Reflexiva. Autobiográfica. Para Elina la fotografía es un instrumento de percepción y exploración de su propio mundo emocional. Tiene la fortaleza de ponerse delante de la cámara fotográfica justo en esos momentos en los que uno no está para nada. Su divorcio, sus fracasos, la soledad, el amor, el aprendizaje de un idioma, son acontecimientos transformados en imágenes de gran intensidad emocional.
En el artículo Ordinary days nos explica algunas cosas:
“Hice la serie Wedding Portraits (Retratos de boda, 1997) cuando me casé, Divorce Portrait (Retratos de divorcio, 1998) cuando me divorcié, y I hate sex (Odio el sexo, 1998) cuando tuve ese sentimiento. No estaba mostrando diversos papeles de la mujer, sino mi propia vida, e intentaba captar algo genuino y verdadero sobre ella en las fotos.” “Un factor crucial fue la sensibilidad para reconocer ‘momentos decisivos’ y reaccionar en consecuencia rápidamente. La cámara tenía que estar fácilmente accesible; a menudo la tenía ya preparada en un trípode en una esquina del cuarto. También hice fotos ‘para la cámara’, pero cuanto menos forzada era la foto, más podía ignorar la presencia de la cámara.”
En sus últimos trabajos, Elina Brotherus ha incorporado nuevos elementos como, por ejemplo, los post-it, a los que ha dedicado una serie de fotos. En la actualidad participa en la exposición Sguardi da nord. Reflecting with Images. Sus obras pueden verse en la Galería Anderson.
Fuente:
http://www.futuropasado.com/?p=728

Paul Strand

2008-04-11T16:55:00.006+02:00

Paul Strand, hijo de inmigrantes de Bohemia, nació en Nueva York el 16 de Octubre de 1890.Su padre le regaló la primera cámara cuando tenía 12 años. Dos años más tarde asistiría a la Escuela Superior de Etica, y gracias a Lewis Hine, que en aquel momento estaba realizando fotografías de los inmigrantes que llegaban a Ellis Island, y que lo puso en contacto con el grupo Photosecesion, conoció a Alfred Stieglitz, que fue un gran valedor de su trabajo.En 1911, después de graduarse abrió su propio estudio. Ya desde sus inicios lucha contra la tradición de los pictorialistas, de usar la fotografía como el método más rápido de llegar al mismo sitio que la pintura. Observa lo que pasa a su alrededor. Se interesa por el cubismo y se impregna de sus fines. Sus imágenes de gente de la calle son un preludio de lo que la fotografía sería a partir de entonces: escenas improvisadas que son un acercamiento al retrato psicológico.En 1916 sus fotografías aparecieron en la revista Camara Work y Stieglitz escribió sobre él diciendo que era sin ninguna duda el fotógrafo más importante que había aparecido en ese país desde Alvin Langdon Coburn. Llegó a decir de él que era la "expresión directa de nuestro tiempo".En 1917 publicó una serie de imágenes tomadas desde ángulos poco convencionales que ponen de relieve el interés de Strand por le individuo y su relación con la geometría de los edificios de arquitectura moderna. Gentes vigorosas, pese a su escaso tamaño, al lado de las elevadas construcciones.En algunas de sus primeras fotografías se atisba un interés por un tipo de encuadres que obligan al observador una actitud activa. Grandes vacíos que debe de llenar la imaginación.Su actitud a lo largo de su vida fue la de un gran observador.
Por otro lado mostraba un gran respeto por las cosas tal como eran: "Observa que cada objeto, cada hoja de hierba, se tiene en cuenta y se usa, que todas las cosas se aceptan plenamente unas a otras". Gran ejemplo de esta actitud es su fotografía The White Fence. Una escena aparentemente sencilla, pero donde los tablones del primer termino de una valla, aparentemente iguales, están desgastados de forma diferente.
En 1945 el MOMA de Nueva York presentó una exposición monográfica de Paul Strand. En los años 50 y 60 viajó por Francia, Italia, Egipto y Ghana, entre otros pises, produciendo una serie de libros de fotografía. En las dos últimas décadas de su vida recibió numerosos premios y honores y su obra se exhibió por multitud de sitios. Murió en Orgeval, Francia, el año 1976. Fotógrafo limpio y directo. Sin mentiras. Sencillo y con gran sentido del espacio y del ritmo, se apoya en un equilibrio entre formas y volúmenes donde el ser humano se hace su hueco con fuerza.En sus retratos llenos de pureza, con un estilo documental casi sociológico, los personajes son retratados, sin tener en cuenta su condición, con un gran respeto al individuo y evitando aspectos sórdidos. Los dignifica y ennoblece con sensibilidad y afecto sin caer en la sensiblería. Son retratos donde se respira cierta tranquilidad y sosiego. No agobia. Es una lucha sin enemigos. Estos individuos serenos, no rehuyen la mirada al frente. Son ellos mismos. Hablan de sí y de su mundo.
Fuente:
http://www.elangelcaido.org/fotografos/strand/strand.html
http://cache.eb.com/eb/image?id=43725&rendTypeId=4 http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/USAPstrand.jpg

Nan Goldin

2008-04-11T16:53:00.006+02:00

Fotógrafa estadounidense nacida en 1953, siendo ella adolescente, su hermana se suicida y tras la quiebra familiar, busca refugio en sus amigos. Su fotografía se caracteriza por plasmar emociones y vivencias, podríamos llamarlo “Diario de vivencias”. El instante de la fotografía en vez de crear una distancia es un momento de conexión emocional, llega incluso a decir: “a veces no sé como sentirme ante una persona hasta que no le hago una fotografía”.
Una de sus obras es Balada de la dependencia sexual (82-85), en esta obra muestra a sus amigos, sus amantes, donde predominan temáticas de personas que viven el entorno de la noche, drogadicción, etc.
Cuando ella toma sus fotografías forma parte de lo que está ocurriendo, no es solo una simple observadora. Su deseo es crear una forma de memoria en esas fotografías. Cada foto es una historia y su acumulación nos acerca a la experiencia de la memoria. Entre sus trabajos encontramos: The Cookie Portfolio; donde muestra una amiga enferma de sida, hasta su tratamiento. The Other Side; experiencias donde muestra la vida de dragqueens y travestis del bar del mismo nombre de la obra.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin
http://phomul.canalblog.com/archives/goldin__nan/index.html
http://www.masdearte.com/item_artistas.cfm?noticiaid=5668

Alfred Stieglitz

2008-04-11T16:52:00.007+02:00

Fundador de Photosecesion (mostrar la vida cotidiana), conjuntamente con Edward Steichen, Alvin Langdon Corburn y Georgia O’Keeffe.
Fundador de la revista Camera Work, la galería 291, donde se expondrán todas la obras de las vanguardias que se estaban haciendo en Europa (surrealismo, dadaísmo, futurismo, etc).
Fue un fotógrafo que plasmó la abstracción de las formas y objetos que en principio no parecía que fueran muy importantes para fotografiar.
También además de objetos, fotografió retratos, entre ellos se encuentran retratos de su mujer Georgia O’Keeffe, pintora de vanguardias.
Quiso establecer analogías entre un sentimiento y una imagen, haciendo experimentaciones con nubes, árboles, el sol, etc., todo para conseguir expresar sentimientos.
Fuentes:
http://faculty.evansville.edu/rl29/art105/sp04/art105-8.html
http://www.nga.gov.au/CameraWork/141991.cfm
http://www.eastman.org/fm/stieglitz/m197400520053.jpg http://content.answers.com/main/content/wp/en/thumb/5/51/250px-Stieglitz_okeeffe_1918_Corrected.jpg

Barbara Kruger

2008-04-11T16:44:00.009+02:00

Neoyorkina. Su carrera empezó a finales de los 60, pero no alcanzó la fama hasta mediados de los 80, con la aparición de sus collages compuestos con fotos en blanco y negro procedentes de la prensa y lemas político-sociales superpuestos, en cajas rojas y tipografía futura bold de cuerpo blanco. Estos collages en los que Kruger trasvasaba innovadoramente técnicas de diseño gráfico al ámbito artístico resultaban en su día muy interesante, e incluso comprometidos. Hoy se han convertido en un género practicado regularmente por fancineros y estudiantes y quizá ya no sorprendan a nadie.
Estudió arte y diseño con Diane Arbus en Parson’s School of Design in New York. Trabajó en Condé Nast Publicaciones y la revista Mademoiselle, convirtiéndose rápidamente en una gran diseñadora. Más tarde, trabajó como diseñadora gráfica, directora de arte y redactora de la revista House and Garden además de otras publicaciones.
Su carrera como diseñadora es evidente que marcó su trabajo por el cual es internacionalmente reconocida.
Kruger utiliza una imagen que nos seduce para añadirle un texto que invierte el mensaje que habíamos asumido en un primer momento.
La obra "You are not yourself" es paradigmática de su forma de trabajo; una imagen tomada del cine y fragmentada nos recuerda con un texto radical la falta de unidad de nuestra identidad, nos cuestiona interpelándonos directamente a través de ese "you".
"Your body is a battleground", diseñado para apoyar el derecho al aborto, conjuga esa preocupación por la construcción de la identidad femenina con la temática que dominará su obra en los años siguientes. Por un lado denuncia la búsqueda de la mujer de "ser completa" tal y como la mentalidad patriarcal lo impone, por otro reclama el derecho de la mujer sobre su propio cuerpo, un cuerpo real y vivido. Su obra de los últimos años adquirirá alusiones a los demás sentidos, buscando la relación con cuerpos concretos.
La construcción de las identidades es denunciada por Kruger también desde una crítica al consumismo. El consumo lo concibe como garantía del poder masculino. A partir de 1984 confronta esta idea desde fuera y desde dentro: no sólo ha ironizado sobre ese poder con obras como "Buy me, I´ll change your life" o "I shop, therefore I am" manipulando las reglas de la publicidad, sino que ella misma se ha introducido en el sistema diseñando posters, bolsas, camisetas... explosionando el sistema desde su misma raíz. Se ha relacionado su aspecto comercial con Wharhol, pero Kruger aporta un nuevo enfoque.
El consumo sustenta esa pasividad fundamentada en los estereotipos, que también llegan a inundar el ámbito del arte, y que Barbara Kruger quiere denunciar. Desde lo político a lo social, de lo económico a lo artístico y a la inversa, del género al signo, todos los temas son cuestionados en su obra, desde el lenguaje y la imagen masculinos nos requiere a todos los que somos "otro" y advierte: "Your comfort is my silence", mira o rechaza mi obra, pero no permanezcas indiferente.
Fuentes:
http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm
http://www.barbarakruger.com

Jim Goldberg

2008-04-11T16:38:00.008+02:00

Está considerado como uno de los fotógrafos más respetados hoy en día. Comenzó a explorar la narración experimental y los potenciales que combina la imagen con Rico y Pobre (1977-85), en el cual yuxtapone a los residentes de cuartos del hotel, con la clase superior y sus interiores elegantemente amueblados, para investigar la naturaleza de mitos americanos sobre la clase, el poder y la felicidad.
En Levantado por Lobos (1985-95) él trabajó estrechamente con adolescentes que se han fugado de casa en San Francisco y Los Angeles para crear un libro y la exposición combina fotografías originales, texto, imágenes fijas de película de casa, fotos, dibujos y entradas de diario. Actualmente trabaja sobre dos nuevos proyectos - en una autobiografía ficticia, y otro sobre la migración y el tráfico en Europa. Vive y trabaja en San Francisco.
El trabajo fotográfico realizado sobre las culturas marginales y el uso de la mezcla de texto e imagen es algo novedoso en el campo de la fotografía. Su trabajo ha estado publicado en las revistas más prestigiosas como: George, Esquire, Gear, Colours, Dazed and Confused y Nest. Ha expuesto internacionalmente a lo largo de los últimos veinte años. En 2004 recibió el Premio de Hasselblad y el Art Council Award. Goldberg es miembro de la agencia Magnum Photos.
Fuentes:
http://www.al-liquindoi.com/fotografos/goldbergbio.html
http://www.magnumphotos.com/

Julia Margaret Cameron

2008-04-11T16:25:00.018+02:00

Fue la pionera de las fotógrafas, inglesa, comenzó su andadura como fotógrafa a los 48 años, en 1863, inició su actividad fotográfica, que la llevó al género del retrato y la alegoría religiosa y literaria. Su obra basada en una factura íntima, era poco convencional para la época.

La fotógrafa quiso captar una belleza romántica con influencia de la pintura pre-rafaelista. Ella afirmaba: “I longed to arrest all beauty that came before me, and at length the longing has been satisfied” (Ansiaba atrapar toda la belleza que aparecía delante de mí, y a la larga, creo haber satisfecho ese deseo).

Sus retratos son bustos centrados en el rostro, a los que con frecuencia aplicaba soft-focus, rechazando la meticulosidad y el nivel de detalle de los fotógrafos de su época, y que en ocasiones le valió la incomprensión de sus contemporáneos. Experimentó con la luz y las sombras, para obtener claroscuros que marcaban los rasgos.

Fuentes:
http://www.caborian.com/20070122/grandes-fotografas-julia-margaret-cameron/
http://www.vam.ac.uk/images/image/5646-large.jpg
http://arrozaldalebre.no.sapo.pt/2003_03_01_files/Julia%20Margaret%20Cameron1.jpg
http://www.geh.org/ne/mismi3/m196700880005_ful.html#topofimage http://www.geh.org/ne/mismi3/m196700880007_ful.html#topofimage

J.H.Lartigue

2008-04-11T16:20:00.008+02:00

Jacques-Henri Lartigue nació el 13 de junio de 1894 en Courbevoie (Francia).Su padre era burgués, cuando Jacques-Henri cumple siete años, su padre, le regala su primera cámara fotográfica. Comienza a tomar fotografías de todo lo que se mueve, aunque su profesión frustrada fue la de pintor.
Reconocido mundialmente ha realizado varias exposiciones fotográficas en París, el MOMA de Nueva York y publica en Life un artículo sobre sus fotografías, cuando se consagra como fotógrafo mundialmente reconocido. Muere en 1986 en Niza (Francia).
En su obra predomina la espontaneidad, la sinceridad, el juego, la felicidad, la alegría de vivir, la inocencia de un fotógrafo adolescente que, desde una edad muy temprana comienza a hacer fotografías. En sus fotografías refleja la alta burguesía francesa y hace que las imágenes reflejen un mundo feliz.

Todas sus fotografías, muestran personas que disfrutan de sus vidas, que se divierten o que juegan constantemente.
Lartigue consiguió reflejar en sus fotografías un mundo feliz, en una época llena de convulsiones y cambios sociales: la Primera Guerra Mundial, la Revolución Rusa, la Guerra Civil española, la Segunda Guerra Mundial, la ocupación alemana de Francia,...También una época llena de cambios en el arte: el surrealismo, el cubismo,...Nada de esto parece afectar a Jacques-Henri Lartigue y sus colegas, para los cuales toda su vida parece ser un juego.
Fuente:
http://www.elangelcaido.org/fotografos/jhlartigue/jhlartiguecom.html
http://apphotnum.free.fr/images/lartigue4.jpg
http://lev44.free.fr/dotclear/images/Lartigue/Lartigue5.jpg
http://apphotnum.free.fr/

Laurent Dejente

2008-03-16T20:55:00.003+01:00

Laurent Dejente, nació en 1961 en Sedan, vive y trabaja en Lille. Estudió medicina para convertirse en un fisioterapeuta, y en un autodidacta en la fotografía. Desde 1993, participó en exposiciones colectivas en el que la mayoría de las veces en las instalaciones mezcla fotografía y vídeo. En 1999 expuso una serie de carreteras en Lyon, y la galería Réverbère. A continuación se muestra en la galería Nei Liicht Luxemburgo, 2001. Ese mismo año la serie se fija en el Modern Art Cafe en Lyon. También lleva a cabo todos varios vídeos.
Además de coleccionistas privados, el Museo de Barcelonette y la ciudad de Dudelange (Luxemburgo) ya han adquirido las fotografías de Laurent Dejente. En 2006, los trabajos del fotógrafo se expusieron en Paris Photo.
Con su serie tortícolis continúa su interrogatorio y su reflexión sobre el cuerpo, el espacio y la interdependencia que la mirada les asigna. Personajes que no son simple presencia. Un swing de 90 grados hacia la derecha o izquierda, que instalará a los protagonistas en un espacio que no es el de su postura habitual. Por lo tanto, se enfrentan con retrocesos del espacio por el que se modifican los convenios de nuestros ojos y, al mismo tiempo, nuestra percepción visual de ingravidez. Tenemos que hacer un viaje de ida y vuelta entre dos direcciones de lectura, estamos literalmente al revés.
Fuente: http://www.actuphoto.com/1748-laurent-dejente-torticolis.html

Pierre et Gilles

2008-03-16T20:51:00.002+01:00

Pierre et Gilles forman una pareja, una entidad cuyo trabajo es inseparable de su vida y su mundo cotidiano. Crean, en forma de fotografías pintadas, piezas únicas, retratos de las estrellas o desconocido a través de un proceso establecido: Comienzan señalando a la labor que han imaginado en común dependiendo del modelo y el papel que quieren jugar a él; Diseño escena teatral plenamente en sus conjuntos, fabricados a partir de materiales especialmente seleccionados de entre ellos su viaje o los viajes de compras en todo el mundo. También darse cuenta de la iluminación, tratando de animar y ampliar el tema de un juego de ángulos y filtros. Seleccionan y, a menudo, se hacen trajes, maquillaje y peinados, a veces asistidos por los principales especialistas; Pierre entonces fotografía la escena. A continuación, Gilles retoque la única impresión realizada por sucesivas capas de pintura y barniz para conseguir la imagen perfecta de la realidad adicional. El resultado es un único trabajo, alcanzando una perfección estética que ninguna imagen puede coincidir.Cada detalle de la evolución de sus obras se concibe en términos de la perfección estética y la visión de un mundo encantado que corresponde a su realidad imaginaria: "Es un poco la imagen es un poco pintura. El universo de Pierre y Gilles se refiere a temas recurrentes: las estrellas y amigos anónimos, marinos y príncipes, santos y los pescadores, mágico paraíso y fondos, la iconografía popular y magia, todo integrado en un mundo de amor y de acción de gracias.

Fuente: http://www.denoirmont.com/artiste.php?id=14

Robert Doisneau

2008-03-16T02:01:00.001+01:00

Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly y pasó su niñez y adolescencia en un suburbio de París. La muerte de su madre en 1919, cuando tenía apenas 7 años de edad, y la precaria situación económica que padeció con posterioridad, tal como lo señalan sus biógrafos "seguramente fueron golpes muy duros para la frágil personalidad de un niño".En 1925 ingresó en una escuela de artes y oficios, "L´école Estienne", donde es formado como grabador y litógrafo. Ya era un oficio en decadencia al que Doisneau consideraba poco creativo. Para compensar esa falta de estímulo, a los 17 años comenzó a realizar sus primeras fotos con una cámara prestada. En ellas ya se evidencia su talento. Poco después, fue admitido en el Atelier Ullmann, que se dedicaba a la publicidad de productos farmacéuticos.Uno de los momentos más importantes en su vida es cuando comienza a trabajar como ayudante en el estudio de diseño de André Vigneau, artista surrealista y uno de los exponentes de la vanguardia." Aquel estudio era fascinante. Vigneau siempre decía cosas que me asombraban, cosas tan insólitas como 'el teclado de una máquina de escribir es un objeto tan hermoso que todas las cartas de amor deberían escribirse a máquina'. Me hablaba de la Bauhaus, del surrealismo, de las máquinas de habitar de Le Corbusier, del cine soviético..." (2).En el año 1932 hizo el servicio militar y cuando volvió a París, el atelier de Vigneau no pudo contratarlo de nuevo ya que la crisis había golpeado duramente a la industria gráfica. Por suerte, encontró un empleo en el departamento de publicidad de la fábrica Renault, en Boulogne-Billancourt, donde hasta 1939 trabajó como fotógrafo publicitario. También comenzó su obra personal fotografiando a la industria y a los obreros. Se casó con Pierrette Chaumaison y compró un departamento en Montrouge, donde habría de vivir hasta su muerte, se afilió a la Conféderation Général du Travail (CGT) y se relacionó con el Parti Comuniste Français (al que se afilió en 1947, colaborando en los diarios y revistas: Vie Ouvrière, Regars, L'Humanité)Tras un breve paso por la agencia Rapho (Rado Photo), al estallar la guerra fue llamado a filas pero con la ocupación de Francia por los nazis, volvió a la vida civil y colaboró con la Resistencia falsificando pasaportes, permisos de trabajo, documentos para judíos, además de registrar la ocupación alemana. En agosto de 1944 documentó la liberación de París.El período de 1945 a 1960 es sin dudas el de mayor producción fotográfica de Doisneau en el campo del reportaje humanista. Se lo reconoce entonces como uno de los grandes reporteros de la escuela francesa de postguerra, que se sustenta en la subjetividad de la mirada y en el tratamiento intimista, honesto y sensible de las cuestiones humanas. Los fotógrafos de ese entonces -Kertész, Cartier Bresson, Brassaï, Ronis, Boubat- se identificaron con los trabajadores y asumieron un compromiso de izquierdas pero, al mismo tiempo, se distanciaron del pensamiento estalinista. Curiosamente, no le prestaron atención a algunas de las cuestiones capitales de Francia: la descolonización en Argelia y en Indochina.Su relación de amistad y trabajo junto a intelectuales como Jacques Prévert, Blaise Cendrars, Robert Giraud, etc., ampliaron su horizonte.Cuando Cartier-Bresson le propuso unirse a Magnum en 1947, Doisneau optó por quedarse en Rapho, la agencia que le había dado la seguridad que él deseaba y que le permitía permanecer en Francia sin tener que andar viajando por el mundo, lo que no era de su agrado.Durante varios años estuvo vinculado a Vogue haciendo fotos de modas pero no era ese el tipo de trabajo que le gustaba, así que en 1953 no renovó el contrato con la revista francesa.Los años sesenta, coinciden en señalar los críticos, no fueron buenos para el fotoperiodismo o, al menos, para el reportaje humanista. Doisneau se ganó la vida como fotógrafo comercial y publicitario, pero también experimentó con fotografía periférica y desarrolló una cámara especial para fotografiar objetos cilíndricos o esféricos.En los últimos diez años de su vida, esto es, desde fines de los setenta y a lo largo de la década del '80, se produjo un resurgimiento del interés del público por el reportaje humanista, por la forma sensible de ver la vida y el estilo de Doisneau -así como de toda una nueve generación de fotógrafos que interpretaban la realidad con aquella poética- comenzó a ser revalorizado." Su obra -íntima, sincera y humanista- le ganó la aclamación mundial y lo convirtió en uno de los artistas más admirados y apreciados de la historia de la fotografía"

Fuente: http://www.centec.es/amc/p12/

Gonzalo Puch

2008-03-16T01:58:00.001+01:00

El trabajo de Gonzalo Puch está repleto del humor y la poesía inherentes al caos, a la acumulación desordenada o al azar. Consigue con facilidad desconcertante que la subversión del orden constituya una característica de la representación del conocimiento (las fórmulas, los mapas, los instrumentos científicos o los sistemas de clasificación). Y tiene la suerte de que su lugar de trabajo sea el crisol donde se produce la especulación y la creación (el laboratorio, el estudio, el jardín y el paisaje). Debido a que la experiencia cotidiana despierta en tal grado su imaginación, insiste en retener la inocencia de la mirada, la capacidad de sorpresa ante la realidad más cercana. Este reconocimiento de la complejidad y la riqueza de la experiencia vital y su confianza en la sabiduría e inevitable arbitrariedad de la vida, le llevan a buscar la acumulación frente a la clasificación, lo indefinido frente a lo calculado y el caos subyacente a todo orden. Gonzalo Puch comenzó su trayectoria artística como pintor, pero gradualmente la abandonó en favor de la escultura, la instalación y, finalmente, la fotografía y el vídeo. A pesar de haber descartado la pintura, la pared -en otras palabras, el lienzo- permaneció como referencia de todos sus experimentos posteriores, como punto de partida desde el que crear un ámbito espacial distinto.
Fuente: http://www.fotoencuentros.es/08/eventos/gonzalopuch.php

Chris Jordan

2008-03-16T01:54:00.001+01:00

Cuando se trata de consumismo y desechos, a menudo es difícil entender la escala. A través de la fotografía, Chris Jordan expone estos temas norteamericanos y globales en perspectiva como una iniciativa para facilitar nuestra comprensión de su magnitud. Por ejemplo, sus fotografías nos muestran cómo se ven dos millones de botellas plásticas (utilizadas cada cinco minutos en los Estados Unidos). Ha utilizado nueve millones de bloquecitos de madera con el alfabeto para representar el número de niños estadounidenses sin seguro médico. Las fotografías de Chris han llamado la atención de The New York Times, CNN, y ABC World News, y han sido el enfoque de artículos de revistas desde Hong Kong a Sao Paulo. Actualmente su exposición se llama Corriendo con los Números: un autorretrato Americano, y se enfoca en el impacto que el consumismo y la avaricia estadounidense tiene en su cultura y planeta. "Como conjunto hemos caído en la avaricia y hemos hecho de la adquisición de riqueza nuestra prioridad cultural. Esto viene con el precio de lo que muchos de nosotros tenemos como sagrado: nuestra conexión con nosotros mismos, el uno con el otro, con nuestro planeta."
Fuente: http://medeamaterial.blogspot.com/2007/10/el-impacto-humano-chris-jordan.html

Edward Burtynsky

2008-03-16T01:53:00.001+01:00

El canadiense Edward Burtynsky debe ser probablemente el fotógrafo favorito de la blogosfera. Sus estremecedoras series de imágenes de desguaces de grandes barcos, vertederos de neumáticos, ríos de níquel y muchos otros rastros de nuestro paso por el mundo han sido enlazadas hasta la extenuidad en los últimos tres años. Probablemente porque cuando ves por primera vez una fotografía de Burtynsky nunca la vuelves a olvidar; y por su tremendo poder para explicar sin una sola palabra algo que todos intuimos - que tenemos que cambiar un millón de cosas en nuestra manera de tratar al planeta, y pronto, antes de que sea demasiado tarde.
Fuente: http://elastico.net/archives/2006/04/edward_burtynsk_2.html

John Davies

2008-03-16T01:51:00.001+01:00

John Davies (nacido en Sedgefield, County Durham, Inglaterra, 1949 y ahora viven en Liverpool) es conocido internacionalmente por la lucidez con que ha abordado el medio rural y paisaje urbano a través de su refinado B & W fotografías. He is very much a narrative landscape photographer, interested, even in his 'purest' landscapes in telling visual stories about process, change, transformation. Él es en gran medida una descripción del paisaje fotógrafo, los interesados, incluso en su «puro» en decirle a los paisajes visuales historias acerca de proceso, cambio, transformación.
Davies began in the mid-Seventies with a prolonged analysis of the "wild and natural" landscapes of the British Isles ( Mist Mountain Water Wind, 1985 & Skylines, 1993 ). Davies comenzó a mediados de los años setenta con un prolongado análisis de la "salvaje y natural" paisajes de las Islas Británicas (Mountain Mist Agua Viento, 1985 & Skylines, 1993). In 1981 he began an articulate documentation of urban Britain, concentrating on the changes provoked by the industrial and post-industrial landscape ( A Green & Pleasant Land, 1986 ). En 1981 comenzó a articular una documentación de Gran Bretaña urbana, concentrándose en los cambios provocados por el industrial y post-industrial paisaje (A Pleasant Green & Land, 1986). These photographs were shown at the Museum of Modern Art in New York, The Pompidou Centre, Paris and in London at the Royal Academy of Art and the Victoria and Albert Museum. Estas fotografías se muestran en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, El Centro Pompidou, de París y en Londres en la Royal Academy of Art y el Victoria and Albert Museum.
During the mid-Eighties he started working in Western Europe on a variety of architectural and environmental projects ( Cross Currents, 1992 ). Durante mediados de los años ochenta, comenzó a trabajar en Europa Occidental en una variedad de arquitectura y proyectos medioambientales (Corrientes Cruz, 1992). With three monographs commissioned and published in France (Temps et Paysage, 2000; Le retour de la nature, 2001 and Seine Valley, 2002 ). Con tres monografías encargado y publicado en Francia (Temps et Paysage, 2000; Le retour de la naturaleza, 2001 y Valle de Seine, 2002).
At the beginning of 2000 he started the Metropoli Project , to investigate the major post industrial cities within the UK. A principios de 2000 comenzó el Proyecto Metropoli, para investigar las principales ciudades industriales posteriores en el Reino Unido. The exhibition from this work Urban Dreams concentrates on city centres made from high vantage points to reveal the architectural infrastructure and topography of the city. La exposición de este trabajo Urbanos Sueños se concentra en el centro de la ciudad a partir de alta miradores para revelar la infraestructura arquitectónica y la topografía de la ciudad. In 2006 his monograph of The British Landscape was published by Chris Boot with a major retrospective of this work at PhotoEspaña in Madrid and the National Media Museum in Bradford, UK. En 2006 su monografía de The British Landscape fue publicado por Chris Boot con una gran retrospectiva de este trabajo en PhotoEspaña en Madrid y el Museo Nacional de Medios de Comunicación en Bradford, UK.
Fuente: http://www.johndavies.uk.com/

Caio Reisewitz

2008-03-16T01:49:00.002+01:00

Caio Reisewitz (Sao Paulo, 1967) es un fotógrafo graduado en 1989 de comunicación visual en la Fundación Armando Alvares Penteado, aunque pasados los 20 años partió a Alemania (de donde viene su ascendencia) con la idea de estudiar fotografía, curiosamente en su vuelta a Brasil fue cuando entró en contacto con grandes fotógrafos alemanes como Gursky y Struth.
Una de sus obras más notables con la que ha recorrido Europa y América se llama Reforma Agraria, donde su fotografía enfoca hacia la evolución del paisaje a partir de la intervención humana a pesar de que el humano no está presente en ninguna de las fotografías, La reforma agraria es según Reisewitz el cáncer que ataca y destruye la naturaleza Brasileña, sistemas de producción que no han evolucionado desde el siglo XVIII que perjudica tanto a pequeños agricultores como a la misma naturaleza.
Fuente: es.wikipedia.org/wiki/Caio_Reisewitz"

Anton Giulio Bragaglia

2008-03-09T18:46:00.000+01:00

Fotodinamismo futurista

Anton Giulio Bragaglia fue un destacado futurista italiano que comenzó experimentando con la fotografía además de publicar un importante manifiesto como base para el desarrollo de la teoría fotográfica futurista, Foto dinamismo Futurista; además de desarrollar una importante carrera como director artístico, Bragaglia tuvo una corta pero intensa carrera cinematográfica, siendo Thais su debut como director futurista.

Joan Colom

2008-02-16T01:46:00.001+01:00

Nació en 1921 en Barcelona. Tras estudiar contabilidad y trabajar en una empresa se inició, de forma autodidacta, en el mundo de la fotografía ingresando en 1957 en la Agrupación Fotográfica de Cataluña (AFC). Asimismo el año 1960 participó en la creación del grupo artístico "El Mussol".
En 2002 obtuvo fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura de España, en 2003 con la Medalla de Oro al Mérito Cultural concedida por el Ayuntamiento de Barcelona, en 2004 con el Premio Nacional de Artes Visuales y en 2006 con la Cruz de San Jorge, concedidas estas dos últimas distinciones por la Generalidad de Cataluña.
En 1958 inició su actividad presentando un seguido de fotografías al IV Salón Internacional de Fotografía de Murcia, del cual recibió el séptimo premio. Ese año empezó a interesarse por la realidad existente en el Barrio Chino de Barcelona, el actual Rabal, convirtiéndose en uno de los principales ojos de la realidad existente.
En 1962 viajó a París seleccionado en una muestra de la fotografía española del momento, al lado, entre otros, de Xavier Misserachs y Oriol Maspons y agrupados en el movimiento denominado "Nova Vanguàrdia", los cuales serían los precursores de la composición en series fotográficas, e inspirados fuertemente en los trabajos de Francesc Catalá Roca, Cartier-Bresson o Man Ray.
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Colom

Garry Winogrand

2008-02-10T01:44:00.002+01:00

Practicante y pionero de la fotografía callejera ("street photography"). Recibió tres Becas Guggenheim (1964, 1969 y 1979). Su trabajo aparece expuesto por primera vez en 1963 en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. Se trata de una muestra colectiva en la que también aparecen trabajos de Minor White, George Krause, Jerome Liebling y Ken Heyman. En 1966 Winogrand expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Duane Michals, Bruce Davidson y Danny Lyon en una exposición titulada "Toward a Social Landscape". En 1967 expone junto con Diane Arbus y Lee Friedlander en la muestra "New Documents" en el MOMA.
Garry realizó estudios de pintura en el City College de Nueva York estudiando después, en 1948, pintura y fotografía en la Columbia University de Nueva York. En 1951 asistió a las clases de fotoperiodismo impartidas por Alexey Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York. Posteriormente él mismo dictó clases de fotografía en la Universidad de Texas de Austin y en el Art Institute of Chicago, siendo de gran influencia para sus estudiantes.
El trabajo de Garry Winogrand estaba influido por los de Walker Evans y Robert Frank, y por las publicaciones: American Photographs y "The Americans". Por supuesto, también Henri Cartier-Bresson fue de gran influencia, aunque sus estilos sean totalmente diferentes. Winogrand nunca buscaba una "foto bonita". La capacidad de anticiparse al suceso y la habilidad para tomar la fotografía con rapidez son las dos características más destacadas de los practicantes de la "street photography" y Cartier-Bresson está considerado en este sentido no sólo uno de los pioneros sino también el mejor en ambos aspectos, siendo su texto "El momento decisivo" uno de los más influyentes.
Winogrand realizó un retrato exhaustivo de la Norteamérica de los años 60 y 70 de la misma manera que anteriormente lo había hecho Robert Frank. Winogrand estaba asimismo interesado por el papel de los medios masivos de comunicación a la hora de conformar las actitudes de las personas.
Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador.
Para su libro The Animals (1969), fotografió exhaustivamente el Zoológico del Bronx en Nueva York y el Acuario de Coney Island. Encontró otro de sus temas en el Fort Worth Fat Stock Show and Rodeo de 1980, y estas fotografías aparecieron en otro libro.
Garry Winogrand murió de cáncer en 1984, dejando más de 300.000 imágenes sin editar, muchas de las cuales ni siquiera había revelado. En concreto y tal y como aparece en el texto de Szarkowski (publicado en Figments from the Real World, publicado junto con la exposición correspondiente por el MOMA de Nueva York): unos 2500 rollos de película expuesta sin revelar, 6500 rollos revelados sin contactos y 3000 rollos cuyas hojas de contactos no había mirado en absoluto. Esto hace un total de 12000 rollos que Garry Winogrand había expuesto pero no había visto en el momento de su muerte. Aproximadamente 432.000 fotos tomadas sin ser vistas posteriormente.
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand

Orlan

2008-02-02T01:42:00.001+01:00

Orlan, artista francesa alarmante y polémica, nació el 30 de mayo de 1947 en Saint-Etienne, (Loire) Francia, desde 1983 reside y trabaja en Paris.Se ha dado a conocer internacionalmente gracias a su extremismo a la hora de llevar a cabo sus "perfomances", y que la han llevado al protagonismo vanguardista dentro de los artistas contemporáneos del post-arte-orgánico. Autores como Baldini y Castoldi definieron el trabajo de la francesa como "una metamorfosis física y de las identidades más radicales y polémicas dentro del panorama artístico contemporáneo".Su trayectoria artística comenzó en 1964 con algunas operaciones estéticas de estilo bizzare. La primera grabación en video de una de sus operaciones quirúrgicas la efectúa en Lyon en 1978. A partir de mayo de 1990 la serie de operaciones quirúrgicas a la que es sometida, como parte del arte que defiende y de la transformación de su cuerpo, pasan a recopilarse bajo el titulo de "la Reencarnación de Santa Orlan", bajo el propósito de pasar a formar parte de modelos clásicos de la belleza como el caso de Venus, Monna Lisa...De ella han dicho que "utilizando el icono barroco, la tecnología de la informática médica, el teatro y las redes de la comunicación en masa, persigue su desafío que consiste en trabajar sobre el concepto tradicional de la belleza y el concepto occidental de la identidad". El 21 de noviembre de 1993 en Nueva York tuvo lugar su séptima operación quirúrgica en la cual se implantó dos sistemas de silicona a cada lado de la frente a modo de pequeños bultos. El trabajo de Orlan se comercializa en forma de cintas de video en las cuales se graban las diferentes operaciones quirúrgicas a las que se somete la francesa.Actualmente además de ocupar un puesto envidiable entre los artistas contemporáneos, ocupa un alto cargo en el Ministerio de Educación francés, además de colaborar en programas sociales enfocados hacia los inmigrantes.
Fuente: http://www.iua.upf.es/~berenguer/recursos/ima_dig/_8_/estampas/4_10.htm

Yves Klein

2008-01-30T01:40:00.001+01:00

Yves Klein, que falleció a la temprana edad de 34 años,se cuenta entre los artistas más originales y más relevantes del siglo XX y realizó toda su producción artística en el breve lapso de siete años. Fue precursor de muchas de las prácticas y tendencias artísticas que llegaron a generalizarse como el happening y la performance; el Land Art o arte medio-ambiental, el arte corporal y elementos del arte conceptual jalonan su obra, cuya influencia perdura aún hoy. Su intrincada personalidad, que fluctuaba entre la extrema concentración y la total ausencia de límites, se refleja en su trabajo en el que monocromía y figuración, o espiritualidad y teatralidad, no se plantean como antítesis sino que, más bien al contrario, contribuyen a la finalidad suprema de Klein: abarcar la vida a través del arte.
Klein nació en 1928 en Cagues-sur-Mer, en el seno de una familia vinculada al arte. Fred Klein, su padre, era pintor figurativo y su madre, Marie Raymond, era pintora abstracta vinculada a la tradición de la Escuela de París. Sin embargo, Yves Klein inició su actividad profesional como judoca. La influencia de su intensa vinculación con la filosofía y la práctica de este arte marcial, que le llevó a estudiar durante 15 meses en el prestigioso Instituto Kõdõkan de Tokio, perduró en su concepción del arte. El judo Kõdõkan está profundamente influido por la filosofía Zen y aboga por la comunión entre mente y cuerpo, por la plena armonía con la existencia, por el desarrollo de la perceptividad y la búsqueda de un estado de vacío. Por otra parte, Klein siempre tuvo un gran interés por las enseñanzas místicas cristianas de la doctrina rosacruz. Su fuerte afinidad por lo ritual y cuestiones relativas a la inmaterialidad y el vacío que perduró en él a lo largo de toda su vida expresan su interés por los temas espirituales.
Klein atribuía un papel especial al color azul que, como el cielo y el mar, encarnaba los aspectos más abstractos de la naturaleza tangible y visual. Buscó largamente un azul que representara sus ideas y un método de aglutinar la pintura para que mantuviera la luminosidad original del pigmento. El resultado fue el IKB —International Klein Blue (Azul Klein Internacional)— un penetrante azul ultramar que creó con ayuda de un amigo químico, y que patentó y convirtió en su marca característica a partir de aquel momento. Las pinturas monocromas, las esculturas y las acciones de Klein, exhibidas en exposiciones en solitario organizadas en Milán, Düsseldorf o Londres, le convirtieron repentinamente en un artista internacionalmente conocido
Fuente: http://www.enfocarte.com/5.26/klein.html

Gordon Matta-Clark

2008-01-20T01:38:00.001+01:00

Gordon Matta-Clark (1943-1978) estudió arquitectura en la Universidad de Ithaca en el estado de Nueva York (USA) y literatura en París, pero decidió ser artista y no ser ni ejercer de arquitecto. Como tal, desarrolló entre 1970 y 1978 el corpus de obra más complejo del último tercio del siglo XX, abrumadoramente no objetual, y trabajó como ningún otro en la urgencia de los cambios económicos, políticos, sociales y culturales que la crisis sesentayochista había evidenciado. Se trata de un artista poliédrico, energético, dinámico, explosivo, extremadamente inteligente e intuitivo, que cuando a finales de
los años sesenta irrumpe en la esfera artística de Nueva York, lo hace con los títulos y avales de propiedad de primer beneficiario de la herencia de los años sesenta: pop, minimalismo y conceptualismo.
Sobre la base que configuraron esos tres grandes movimientos construye un entramado reticular, política y artísticamente articulado, de critica institucional, generando experiencias colectivas en el interior del espacio público. Su trabajo refleja desde sus comienzos su preocupación por los nuevos modos culturales en la vida cotidiana y por las nuevas subjetividades e identidades políticas posteriores al 68: trabajando con basuras, ofreciendo oxígeno a los transeúntes de Nueva York, abriendo un restaurante gestionado y dirigido por artistas, poniendo en tela de juicio la propiedad privada del suelo... o subiéndose a la Clocktower para, colgado de su reloj, proceder a afeitarse, ducharse y lavarse los dientes. Todas esas acciones tenían lugar en tiempo real, acotado y preciso, fuera de los sacralizados recintos de galerías o museos, pero previo a ellas realizó varios miles de dibujos, anotaciones y libretas de trabajo que, a la manera poussiniana, implican que concebía el dibujo como la imagen interior del proyecto. Del mismo modo, prácticamente todas sus acciones e intervenciones en edificios fueron fotografiadas, filmadas o grabadas en vídeo y el modo en que las registraba estaba en perfecta coherencia con el discurso general que trataba de construir.
Fuente: http://www.brumaria.net/LCE_TheWall_GordonMatta-Clark_3.pdf

Christo

2008-01-11T01:33:00.002+01:00

Artista estadounidense de origen búlgaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue Running Fence (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California. Tanto esta obra como la anterior Valley Curtain (Cortina del valle, 1972) fueron tema de documentales realizados por los directores de cine de vanguardia Albert y David Maysles. Otras obras son las Surrounded Islands, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), once islas enmarcadas con 650.000 m2 de tejido de polipropileno, The Pont New Wrapped (El Pont Neuf empaquetado, París, 1985). En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Entre sus proyectos aún no realizados están la Puerta de Alcalá en Madrid y la estatua de Colón en Barcelona
Fuentes:
http://www.christojeanneclaude.net/
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2686

Robert Smithson

2008-01-01T01:30:00.003+01:00

Escultor de nacionalidad estadounidense que sólo vivió 35 años. Fue uno de los integrantes de la corriente artística llamada Earthwork o Land Art, que, a propósito, alude a los monumentos de los entierros prehistóricos. Smithson, (al igual que otros artistas como Micheal Heizer) se interesó por la escultura monumental y, de alguna manera, efímera. Una de sus obras más importantes es “Malecón espiral”, estructura gigante de roca y escombros que mide 4,5 metros de ancho y que está cubierta de sal cristalizada y que terminó en 1970 en el Gran lago salado de Utah. Otros de sus trabajos son: “Colina espiral”, de 1971 y “Círculo roto”, de 1972, ambas construidas en los Países Bajos. Los trabajos de Smithson se aprecian mejor, deliberadamente, a partir de fotografías, puesto que se trata de obras de enormes dimensiones levantadas en espacios naturales remotos cuyo mensaje es, de cierto modo, la grandeza de la naturaleza y el daño que los seres humanos le hacemos. El registro de las obras de los artistas de la corriente Land Art se ejerce y verifica artísticamente a través de fotografías.

Fuentes: http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/proyectos/acercarte/como_ves/comoves2/smiths.htm http://www.robertsmithson.com/